From the press release

Team is pleased to present an exhibition of new work by the Brussels-based, French artist Pierre Bismuth. Entitled Following the right hand of…, the exhibition will run from the 2nd of April through the 2nd of May 2009. Team Gallery is located at 83 Grand Street, between Wooster and Greene, on the ground floor.

For his ongoing series, Following the right hand, Pierre Bismuth does just that. He projects a feature film onto a sheet of Plexiglas and painstakingly follows the movements of the lead actress’ right hand with a black marker. The resultant abstract drawings are then enframed over a 30 by 40 inch photographic print of a still image from the film. The image selected by the artist represents the moment that he disengages from the actress, sometimes near the beginning of the film, creating a simple drawing; but just as often near the end of the film, creating an aggressive thicket of marks that almost obliterate the filmic image. In this way, the motion picture is occluded by a chance pattern that constitutes a kind of messy signature made by the actress. There is an undeniably fetishistic aspect of this work, as a portion of its appeal is linked to the actress’s name and aura; at the same time, the focus on the squiggly marks paradoxically negates the film, along with its star, by obscuring them with black ink, frustrating our desire to connect with the screened image.

The likes of Joan Crawford, Marlene Dietrich, Greta Garbo, and Marilyn Monroe are re-animated in these strangely romantic artworks, wherein Bismuth holds hands with these women across a vast sea of time. These idols, who had diminished agency even in their most famous starring roles, are given a degree of authorial control through Bismuth’s conceptual interventions into film history. The women in Bismuth’s Following… series are not only the male artist’s subjects, they also participate in the authorship of the works. In a method that inverts the action of an artist like Jackson Pollack, Bismuth grants the subject the power to conduct his imprint and hence renders himself incidental, the simple facilitator of the séance.
Popular and high culture have provided the scaffolding for Bismuth’s practice. Over the years, political events, reportage, men’s magazines, Disney characters, fairy tales, the rituals of the white cube, museum architecture, and the didactic plate have all been implicated and re-dressed in a body of work that repeatedly returns to the discourse of appropriation for it’s guidance. However, no form of culture has been more present in Bismuth’s art than that of the motion picture, particularly work from the period of the Classical Hollywood Cinema.

Pierre Bismuth has been exhibiting his work for the past twenty years. Prominent monographic exhibitions have been held at the British Film Institute, the Kunsthalle in Basel, Nice’s Villa Arson, Rotterdam’s Witte de With, at MAMCO in Geneva, and at the Kunsthalle in Vienna. He has participated in group exhibitions at the Centre Georges Pompidou, the ICA in London, the Sprengel Museum in Hanover, Frankfurt’s Museum für Moderne Kunst, the Kunsthalle Bern; the Ludwig Museum in Köln, the Stedelijk Museum in Amsterdam, and numerous others. His work was included in the 2001 Venice Biennale and in Manifesta 4. Bismuth has had solo shows at galleries in such cities as London, Paris, Brussels, Turin, Tel Aviv and Antwerp.

It is exceedingly appropriate that Bismuth work with this material. After all, he is the only fine artist to have ever won an Academy Award — in 2002 for Best Original Screenplay with Michel Gondry and Charlie Kaufman for the film Eternal Sunshine of the Spotless Mind. This is his second solo at Team.

Team is open from Tuesday through Saturday, 10am to 6pm. For further information and/or photographs, please call 212.279.9219.

From the press release

éverin est un jeune auteur compositeur né à l’aube de la décennie qui vit l’avènement des synthétiseurs : les années 80. Ce brillant « chef d’orchestre dans un petit costume rouge » fait de la musique depuis une vingtaine d’années. Flirtant avec de multiples instruments tel un funambule qui testerait ses cordes. Séverin est à l’aise partout (clarinette, guitare, piano, chant…). C’est lors de ses études de cinéma qu’il réalise à quel point la musique tient une grande place dans son univers. Même si le challenge d’en vivre semble être une échappatoire dorée totalement inaccessible, le jeune homme garde secrètement ce désir enfoui dans son coeur. En grand fan de comédies musicales « made in Jacques Demy’s style » (Les demoiselles de Rochefort, Les parapluies de Cherbourg), il continue d’observer avec émerveillement et curiosité le lien magique qu’entretiennent musique et image. En 2006, Séverin et son acolyte Lafayette forment un duo électro-pop souriant nommé ONE-TWO. Ensemble, ils vont accumuler les premières parties prestigieuses telles : Justice, Bloc Party, Wyclef Jean ou The Rapture … et se forger une solide expérience de la scène en Allemagne, Angleterre et dans le reste de l’Europe. Puis survient un drame du quotidien : Séverin et sa compagne se séparent. Alors, lui vient le besoin inconditionnel et frénétique de composer de la musique mais uniquement pour des filles, inconsciemment il a besoin de leur plaire, d’être aimé à nouveau pour aimer encore et panser ses plaies… « Je ne pouvais rien faire d’autre que de la musique et ça m’a occupé pendant un an et demi (…) et puis être avec des filles jolies, sympas et talentueuses, ça rend heureux » . Alors il fait de la musique pour ne pas être seul et la maïeutique du projet prend tout son sens. Il avoue discrètement qu’« il n’y a rien de plus touchant qu’une fille qui se sent comprise dans les mots ou la musique d’un morceau que tu lui as écrit ». Ainsi, son chagrin trouve un écho naturel à travers les voix des 14 chanteuses qu’il sélectionne avec minutie et délicatesse. Elles l’inspirent, et le charme opère instantanément… L’album « Cheesecake » est une gourmandise pop aux consonances multiples qui offre des mélodies sucrées, légères, punchy et inventives. Les chansons s’adaptent à la tessiture de chacune des chanteuses, Séverin s’amuse et annonce: « C’est un Album international car les filles sont : Russe, Française, Allemande, Suédoise, Brésilienne, Alsacienne,… le bassiste est Bulgare, le clavier est Danois et le batteur vient du Loir et Cher. » Ajoutez à ça le producteur Julien Delfaud (Phoenix, Herman Dune, Revolver…) et vous obtenez la genèse de ce projet gourmand, sensuel, léger et pimpy. Séverin s’amuse et déclare : « J’ai fait mon Hitchcock, j’apparaîs sur toutes les chansons à la voix mais c’est parfois très discret ». Notez aussi qu’il a fait toutes les guitares de l’album en live avec les autres musiciens, créant une ambiance qui sonne - comme il les aime - très spontanée. « Cheesecake » a été élaboré dans trois studios de la capitale : à Pigalle pour travailler les prises live, au Studio de la Seine pour les voix, et enfin au Studio de la Grande Armée pour les instruments et le mix. C’est un album cathartique qui regorge de trouvailles inspirées des yéyés pour la fraîcheur et des années 80 pour l’influence électro-clinique sympathique. Séverin affectionne particulièrement les univers musicaux qui allient : le chaud (batterie) et le froid (synthé). Il est sensible au jazz, reconnaît être « fan comme un môme de Led Zep ». Il apprécie aussi les Beatles, Israel Vibration, Herbie Hancock, Paul Simon (parce que c’est un des meilleurs mélodistes), l’attitude « dandy chic » de Jacno, des Talking Heads, ou encore des gentils punks de Marquis de Sade, d’Edith Nylon, de Marie et les garçons et l’esprit sixties des Kinks. A la manière de Lou Reed rendant hommage au film de Leopold Von Sacher-Masoch « Venus in Fur » ce Severin là est passionné. Lui son péché divin, ce n’est pas uniquement la chair c’est aussi la gastronomie. Il pourrait vous parler pendant des heures de la meilleure façon de faire des choux farcis ou de la nécessité d’être rigoureux dans la confection du cheesecake (son gâteau préféré ndrl) : « Faire un bon morceau c’est comme faire un bon plat », alors comme dise les Anglais : « Please Enjoy » !!!

www.myspace.com/iciseverin

uddenly a crackling noise finds its way through the brush woods, echoing through the abandoned wetland. The silence, which was only barely accompanied by frail birdsong and the nearly inaudible pattering of the rain, is now broken by hasty footsteps. Someone is on the run. For just a few seconds, he loses his way, he stumbles, falling into the muddy water. That moment seems to last a small eternity, the sound of tripping and pouring pervades the air. There is nothing but that swooshing sound. But pulling himself together, the man continues his escape into uncertainty. What’s the urge to go on in such a hurry, without even looking back? There could be something, someone after him – but after a while, he can be heard coming through the bushes again. He is falling and getting to his feet. Running after himself, leaving his echoing steps between his appearances.

“HAAANS“! – there is an intense temptation to call out into the setting; “HAAANS, stop for a moment! What’s the matter?” But he won’t say. He just stares straight ahead. His face marred by blank gaps, holes. This is just an image of the initial condition. The face is made up of several parts, like a reflection in a broken mirror, an image smashed apart – just after the impact of a missile. “Mistral“ says the lettering on a rocket, that caused the fragment to scatter in all four winds. Or was it the northwind called “Mistral?” One can only assume, because that assembled face is still looking ahead silently. Were there some parts lost on their way to the final gathering? The blank areas tiny splinters still remain, like those that are always missing when attempting to glue together a broken teacup, even if the lines of breakage are exact. But – no one around to get information from, only the neatly deposited garments someone left on a branch. The clothes are rather dirty, the sight suggests that someone was out during foul weather or had slipped into the mud. There’s no trace of the owner, although that jacket and trousers seem strangely familiar…

The echo of the restrained calls, that had been attempted before, is still spinning back and forward in the mind, getting lower and lower. Like the rippels in the head-shaped object on the floor. More exactly, it is the cast of a mould of the back of a head. The head itself is not there anymore, but instead there is the slightly moving surface of water shimmering in the bronze basin. It seems to be some kind of cocoon, which was left by its inhabitant when it became too tight, too small. A breakout, a deliverence, a means of escape. The escape into the woods, where suddenly a crackling noise finds its way through the brush woods, echoing through the abandoned wetland. The silence, which was only just accompanied by frail birdsong and the nearly inaudible pattering of the rain, is now broken by hasty footsteps.

Opening: 1 April, 2009, 7 pm
until 9 May, 2009
visits by appointment only

ZERO…
via Ventura 6
20134 Milano
tel.  +39 02 36514283
fax. +39 02 99982731
www.galleriazero.it
skype: G.Zero

Hans Schabus at onestar press:

[Visite] 1999 (Artist Book)

[Speis] 2003 (Artist Book)

Space 2003 (Video)

Transport (Catalog)

The onestar stop by Hans Schabus

du site de Mathieu Copeland

anifestation exceptionnelle, « Vides » est une rétrospective des expositions vides depuis celle d’Yves Klein en 1958. Dans une dizaine de salles du Musée national d’art moderne, elle rassemble, de manière inédite, des expositions qui n’ont rigoureusement rien montré, laissant vide l’espace pour lequel elles étaient pensées.

L’idée d’exposer le vide est récurrente dans l’histoire de l’art de ces cinquante dernières années, au point d’être presque devenue un cliché dans la pratique artistique contemporaine. Depuis l’exposition d’Yves Klein La spécialisation de la sensibilité à l’état matière première en sensibilité picturale stabilisée à la galerie Iris Clert, à Paris, en 1958, les expositions entièrement vides affirment différentes conceptions du vide.

S’il est pour Yves Klein un moyen de signaler l’état sensible, il représente en revanche l’apogée de l’art conceptuel et minimal pour Robert Barry avec Some places to which we can come, and for a while “be free to think about what we are going to do.” (Marcuse), [« Des lieux où nous pouvons venir, et pour un moment, ‘ être libre de penser à ce que nous allons faire ‘. (Marcuse) »], œuvre initiée en 1970. Il peut aussi résulter du désir de brouiller la compréhension des espaces d’expositions, comme dans l’œuvre The Air-Conditioning Show d’Art & Language (1966-1967), ou de vider une institution pour modifier notre expérience comme dans l’oeuvre de Stanley Brouwn.

Il traduit également la volonté de faire l’expérience des qualités d’un lieu d’exposition, comme pour Robert Irwin et son exposition réalisée à la ACE Gallery en 1970, ou pour Maria Nordman lors de son exposition à Krefeld en 1984. Le vide représente aussi une forme de radicalité, comme celui créé par Laurie Parsons en 1990 à la galerie Lorence-Monk, qui annonce son renoncement à toute pratique artistique. Pour Bethan Huws et son œuvre Haus Esters Piece (1993), le vide permet de célébrer l’architecture du musée, signifiant que l’art y est déjà présent et qu’il n’est pas nécessaire d’y ajouter des œuvres d’art. Le vide revêt presque le sens d’une revendication économique pour Maria Eichhorn qui, laissant son exposition vide à la Kunsthalle Bern en 2001, permet d’en consacrer le budget à la rénovation du bâtiment. Avec More Silent than Ever (2006), Roman Ondak, quant à lui, laisse croire au spectateur qu’il y a plus que ce qui est laissé à voir.

Comité Curatorial : John Armleder, Mathieu Copeland, Gustav Metzger, Mai-Thu Perret, Clive Phillpot.
Commissaire au Centre Pompidou: Laurent Le Bon

VIDES
Edité par JRP-Ringier

Vides. Une rétrospective est une exposition paradoxale : à travers la réactualisation de neuf «expositions vides», elle apparaît simultanément comme un projet expérimental qui refuse les règles classiques des arts visuels et comme un objet historique qui confronte les réalisations de Art & Language, Robert Barry, Stanley Brouwn, Maria Eichhorn, Bethan Huws, Robert Irwin, Yves Klein, Roman Ondák et Laurie Parsons.

Support et prolongement de la manifestation, cet ouvrage dessine les contours du concept de «vide» dans l’art, l’esthétique, la philosophie, la religion, les sciences, la culture populaire, l’architecture et la musique, en abordant les problématiques du rien, de la vacuité, de l’invisible et de l’ineffable, du rejet et de la destruction. S’ouvrant sur un catalogue qui documente les neuf expositions historiques et contemporaines retenues, le livre comporte également une anthologie d’une quarantaine de textes, souvent inédits, ainsi que des contributions d’artistes spécialement réalisées pour l’ouvrage. Les essais de Benjamin Buchloh, Jean- François Chevrier, Henry Flynt, Lucy Lippard, Bernard Marcadé, Anne Moeglin-Delcroix, Brian O’Doherty, Sadie Plant, Didier Semin, David Toop ou Sarah Wilson s’entrecroisent ainsi avec des entretiens réalisés avec Robert Barry, Ben, Morgan Fisher, Claude Parent ou Jacques Villeglé, et les propositions de Peter Downsbrough, Dominique Gonzalez-Foerster, Wade Guyton, Hans Haacke, Sherrie Levine, Malcolm McLaren, Olivier Mosset, Sturtevant ou Lawrence Weiner.
À travers la riche documentation et les textes de spécialistes réunis, cet ensemble se propose d’évaluer les origines, les dispositifs et les résonances de ce geste artistique capital, consistant à vider l’espace d’exposition plutôt qu’à le remplir.

John Armleder at onestar press

Steal these books

Steal these books (multiple)

Large Image John Armleder 

From the press release

PIERRE BISMUTH
NEON, MIRROR AND GOLD

GALLERIA SONIA ROSSO
via Giulia di Barolo 11/h  I – 10124 Torino

3 March – 30 April 2009

he exhibition “Neon, Mirror and Gold”, the third solo show of Pierre Bismuth in Galleria Sonia Rosso, will focus on the recovery, re-invention and re-cycling of different materials.
Pierre Bismuth is interested in the way meaning and value are constituted within a given culture. His artistic procedures constitute a sabotage of the internal logic of objects and our way of perceiving them.
For this show, Bismuth works with the idea of leftovers. He plays on the tension between an “economy of desire” and an “economy of necessity” by using elements that have a value in one context and yet are valueless in others.
“Redeemed,” presented here for the first time, is a series of multicoloured neon tubes that are created by the addition of leftover neon lamp fragments. From fragmentation to unity, remainders and scraps of neon lights of different diameters, dimensions and colours are put together to form a complete tube again.

“Something Less Something More-Mirror” is based on the principal of “subtraction”. Circular shapes are cut into old mirrors, in an extension of a concept introduced by the artist for the first time in 2002. This procedure de-materializes the mirror and alters its main function. The positive and the negative parts of the mirror are presented next to each other, each part becoming the leftover of the other.

In “Note d’Oro” the notion of recycling is related not to the material but to the “idea” itself. The process here is akin to alchemical transformation: the artist transforms old notes, sketches or unrealized projects from his artist notebook into golden drawings made out 24 carat gold leaf.

Pierre Bismuth at onestar press:

Various colors in Black and White

onestar press coupon offer

Following the right hand of Marilyn Monroe

Coming soon…

uel rapport y a-t-il entre Jacques Tati et Jean-Luc Godard ? Les Rolling Stones et Liam Gillick ? Vito Acconci et New Humans ? Aucun si ce n’est qu’ils se croisent tels des fantômes dans l’univers visuel et formel de Mika Tajima. Née en 1975 à Los Angeles, Mika Tajima a bien retenu la leçon rock de son professeur Bob Nickas. Mêlant performances, musiques, vidéos, sculptures, peintures et installations la jeune artiste convie régulièrement son groupe de Brooklyn New Humans à performer dans ses dispositifs. Pour le nouvel espace new yorkais X initiative, situé temporairement dans les anciens espaces du DIA à Chelsea, la jeune artiste propose The Extras, une exposition rejouant plusieurs pièces existantes et prolongeant ainsi son désir de composer un espace entre un plateau de cinéma, une scène et un studio de répétition inspiré par le film One+One de Godard.
Les tableaux, rangés dans des racks montés sur roulette,  deviennent écrans, miroirs ou sculptures tandis que la sculpture se transforme en support d’une architecture pour un scénario improbable. Entre esthétisme et fonctionnalité, au centre de cette mise en scène, une vidéo montre la jeune artiste en train de détruire avec méthode une voiture dans l’usine Fiat de Milan. Destruction et déconstruction, inclusion et exclusion, mobilité et stabilité composent le travail de Mika Tajima qui de post-production à l’altermodernism semble relever avec virtuosité tous les défis du discours contemporain.

Claire Staebler

Location: 548 West 22nd Street, New York.
Opening hours: Wednesday through Saturday, 11am-6pm. Free entrance. March-May 2009.